TEATRO - História, Histórico, Quando surgiu o teatro, o significado da palavra e os principais gêneros dramáticos. - Artes - Trabalho Escolar

Teatro

O teatro surgiu na Grécia Antiga, no séc. IX a.C. Consiste em representar uma situação e estimular sentimentos na audiência. A tríade: quem vê, o que se vê e o imaginado é o apoio do drama, pois ele exige uma reflexão propiciada através do ator ou conjunto de atores interpretando uma história.

A palavra teatro pode significar tanto o prédio em que se exibem as diferentes formas de arte como uma delimitada arte.

 A arte de representar prosperou em terrenos sagrados na Índia, Egito, Grécia, China e nas Igrejas da Idade Média. O modo pelo qual o homem descobriu para revelar seus sentimentos de amor e ódio.

As primeiras sociedades primitivas acreditavam que a dança imitativa influenciava os fatos necessários à sobrevivência através de poderes sobrenaturais, por isso alguns historiadores assinalam a origem do teatro a partir deste ritual.

Os principais gêneros dramáticos conhecidos são: a tragédia nascida na Grécia, a comédia que representa os ridículos da humanidade, a tragicomédia que é a transição da comédia para o drama e o drama (melodrama), ao ser representado é acompanhado por música.

O Padre José de Anchieta evidenciou a implantação do teatro no Brasil com o interesse de catequizar os índios para o catolicismo e impedir os hábitos condenáveis dos colonizadores portugueses, sendo assim uma idéia mais religiosa do que artística.

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SIGNIFICADO DAS CORES - As características e significados das cores. - Artes - Trabalho Escolar

Significado das Cores

As cores podem ter influência psicológica sobre o ser humano: algumas estimulam, outras tranquilizam, pois são captadas pela visão e transmitidas para o cérebro e consequentemente refletem impulsos e reações para o corpo.

O preto permite a autoanálise, a introspecção, pode significar também dignidade, está associado ao mistério.

O branco remete a paz, sinceridade, pureza, verdade, inocência, calma.

O verde simboliza esperança, perseverança, calma, vigor e juventude.

O vermelho ativa e estimula, significa elegância, paixão, conquista, requinte e liderança.

A cor amarela desperta, traz leveza, descontração, otimismo. Simboliza criatividade, juventude e alegria.

A cor azul produz segurança, compreensão. Propicia saúde emocional e simboliza lealdade, confiança e tranquilidade.

O laranja, além de significar movimento, espontaneidade, tolerância, gentileza, é uma cor estimulante.

O cinza promove equilíbrio e estabilidade.

O rosa significa romance, sensualidade, beleza.

A cor violeta significa sinceridade, dignidade, prosperidade, respeito.

O marrom associa-se à estabilidade, constância, significa responsabilidade e maturidade.

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ROCOCÓ - O estilo artístico do Rococó. - Artes - Trabalho Escolar

Rococó
O estilo artístico do Rococó

Rococó é um estilo artístico que surgiu na França, e desenvolveu-se na Europa no século XVIII, logo após o Barroco.

Era mais leve e intimista do que o estilo anterior. Suas características eram: o uso de dourado, formas de curvas e de elementos decorativos, como laços e flores. Era usado, inicialmente, em decoração de interiores.

O estilo rococó aliviava o exagero ornamental e oferecia maior moderação de interiores.

Entre seus principais temas estavam as cenas eróticas da vida cortesã, da mitologia e motivos religiosos. Entre os anos de 1700 e 1780, durante o iluminismo, o rococó era a principal corrente da arte e da arquitetura. Espalhou-se pela França a partir da obra do decorador Pierre Lepautre, como um novo estilo decorativo.

A expressão da arquitetura rococó aconteceu principalmente na Alemanha e na Áustria, como uma fusão do barroco italiano e do rococó francês. Em 1716, o estilo foi introduzido na Rússia pelo Francês Nicolas Pineau.

Diferentemente da arquitetura, na escultura e na pintura da Europa oriental e central não é possível traçar uma linha divisória entre o barroco e o rococó. No Brasil, Aleijadinho e Manuel da Costa Ataíde foram os maiores representes do rococó.

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RENASCIMENTO - Um dos mais importantes movimentos ocorridos na Europa. - Artes - Trabalho Escolar

Renascimento

O Renascimento promoveu uma reviravolta no comportamento do homem europeu.

 

Entre os séculos XIV e XVI, observamos o desenvolvimento de uma série de transformações que atingiram profundamente a forma pela qual o homem europeu encarava o mundo à sua volta. Condensada sob o nome do Renascimento, essa série de mudanças determinaram o reconhecimento de novos modos de pensar e executar as artes, as ciências e as relações político-sociais. 

O termo Renascimento, que advém da ideia de se “nascer outra vez”, tem sua origem fixada no expresso interesse que os homens dessa época tinham nas manifestações da cultura greco-romana. Para alguns que vivenciaram tal época, a renascença buscava recuperar uma visão de mundo que havia sido deixada de lado com o forte sentimento religioso desenvolvido na Idade Média. 

Sob tal aspecto, observamos que o renascimento tinha uma expressa tendência humanista. Isso quer dizer que as preocupações, sentimentos e comportamentos humanos passavam a ser extremamente valorizados no campo da literatura, da pintura, da escultura e até nas instituições políticas. Nesse contexto, a Igreja viria a enfraquecer o antigo monopólio de conhecimento que lhe garantia posição central na produção do saber.

Além da tendência antropocêntrica, o renascimento também esteve próximo ao hedonismo, quando o corpo, os prazeres terrenos, a busca pelo belo e perfeição se tornaram vigentes no campo das artes. Paralelamente, o renascimento também teve um traço naturalista ao explorar os mínimos detalhes da natureza, das plantas, animais e da própria anatomia humana. 

Do ponto de vista histórico, todas essas inovações tiveram seus primeiros passos desenvolvidos no interior das ricas cidades comerciais italianas. Na condição de porta de entrada para várias mercadorias, essas cidades recebiam pessoas de vários lugares que acabavam possibilitando a circulação de novos conhecimentos e valores. Além disso, o ambiente das cidades italianas também esteve favorecido pela ascensão de uma rica camada de comerciantes interessados em financiar a obra e artistas e intelectuais. 

Ocorrido ao longo de vários séculos e em diferentes lugares, os historiadores subdividem especialmente o movimento renascentista italiano em três épocas distintas: Trecento, que abarca os anos de 1300; o Quattrocentro, que envolve as manifestações do século XV; e, finalmente, o Cinquecento, que compreende os anos “quinhentos”, o século XVI. Não sendo previamente organizado, observamos que o renascimento surge em de modo difuso pelas nações da Europa. 

Além de modificar a natureza das artes, com a introdução de técnicas mais apuradas e o gosto pela temática humanística, o renascimento também provoca uma mudança no meio científico. Por meio de ações que envolviam a observação e a experimentação do mundo, os cientistas dessa época conquistaram importantes informações que contribuíram no desenvolvimento da medicina, da astronomia e da física. 

Observado como um todo, não podemos simplificar o renascimento como uma mera substituição da forma medieval de se enxergar o mundo. Devemos lembrar que muitos artistas e estudiosos dessa época não abandonaram suas crenças e, em muitos casos, também valorizaram trabalhos de temática religiosa. De tal modo, o renascimento coloca-se como uma importante experiência que oferece outra possibilidade do homem europeu lidar com o mundo à sua volta. 

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PROSA NATURALISTA - As características da linguagem naturalista. - Artes - Trabalho Escolar

Prosa Naturalista

Os cortiços foram o espaço preferido dos escritores.

O Naturalismo surgiu na França, na segunda metade do século XIX, retrata o homem como o produto de forças “naturais”, instintivas que comporta conforme o meio, o momento e situações específicas.

O elemento fisiológico, natural e instintivo predomina, assim como o erotismo, a violência e a agressividade são apresentadas como características naturais do homem.
A literatura naturalista tem caráter reformista, uma vez que seus escritores passaram a analisar o comportamento humano e social, de maneira que eram capazes de apontar saídas e soluções.

A obra que marca o início do Naturalismo brasileiro é O Mulato (1881), de Aluísio Azevedo.

No Brasil, a prosa naturalista foi influenciada por Eça de Queirós, com as obras O crime do padre Amaro e O primo Basílio (ambos da década de 1870).Todos os assuntos ligados ao homem, desde os mais bestiais até os mais repulsivos, foram introduzidos pelo Naturalismo, dessa forma as camadas desfavorecidas d sociedade ganharam voz.

São características da linguagem naturalista:

- determinismo: o homem é visto como produto do meio, privado de livre-arbítrio, à mercê de forças incontroláveis.

- preferência por temas de patologia social: tratavam da influência dos vícios, das taras, das doenças na formação do caráter do indivíduo.

- objetivismo científico e impessoalidade: o Naturalismo se apegou somente à precisão das teorias coentíficas, e atentou-se somente aos fatos.

- literatura engajada: o Naturalismo apresenta intenção realista de reformar a sociedade.

Aluísio Azevedo – senso coletivo

Aluísio Azevedo se consagrou como escritor naturalista com a publicação de O mulato (1881). Foi o primeiro escritor que se profissionalizou, viveu do que produzia. O que é novo em Aluísio é a percepção do coletivo: multidão, massa, o povo nas ruas, nas praças, nos becos, nos cortiços.

O autor reflete o processo de transformação e econômica pelo qual passava o Brasil, momento no qual os centros urbanos cresciam, abrigando todo tipo de gente, que iam às cidades à procura de trabalho.

O apogeu foi alcançado pelo Naturalismo com o romance O cortiço (1890), de Aluísio Azevedo, que destaca o jogo dos fatores sociais.

Em 1890, também foi lançado A fome, de Rodolfo Teófilo, O missionário, de Inglês de Sousa, seguido de A normalista (1892) e O Bom crioulo (1895), ambos de Adolfo Caminha.

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POP ART - Uma crítica à sociedade consumista. - Artes - Trabalho Escolar

Pop Art

Após a Segunda Guerra Mundial, o expressionismo e toda sua subjetividade dominava o mundo artístico, havendo claramente, naquela época, uma divisão entre a “arte elevada” e a “arte vulgar”. O pop art surgiu como resultado da insatisfação de certos artistas com essa situação de separação entre a arte e as massas.

De fato, a pop art surgiu em meados dos anos 50 na Inglaterra, onde um grupo de artistas, intitulado Independent Group, começou a dar os primeiros passos e a apresentar as bases da nova forma de expressão artística. No entanto, foi na Nova York dos anos 60 que o movimento artístico demonstrou todo seu potencial, chamando a atenção do mundo inteiro.

Como uma crítica ao consumismo e à sociedade do consumo, os artistas da pop art passaram a usar signos estéticos massificados da publicidade e do consumo como forma de arte. Para isso, utilizavam as principais satisfações visuais das pessoas, como comerciais de TV, campanhas publicitárias, histórias em quadrinhos, etc., para aproximar justamente a arte e a vida comum. Entre os materiais artísticos usados, podemos citar a tinta acrílica, o poliéster, o látex, etc.

Os principais artistas da pop art foram Robert Rauschenberg (1925), famoso pelas pinturas com garrafas de Coca-Cola, embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados; Roy Lichtenstein (1923-1997), com suas obras baseadas nas histórias em quadrinhos e anúncios publicitários; e Andy Warhol (1927-1987), com suas séries de retratos de ídolos da música popular e do cinema, como Elvis Presley e Marilyn Monroe.

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PINTURA - Definição e características da arte. - Artes - Trabalho Escolar

Pintura

Pintura é a técnica de empregar pigmento a uma superfície, para colori-la, dando-lhe matizes, tons e texturas. Mais especificamente é a arte de pintar uma superfície, como papel, tela ou uma parede. Essa arte diferencia-se do desenho pelo uso dos pigmentos líquidos e do uso constante da cor, já que o mesmo utiliza-se principalmente de materiais secos.

Entretanto, existem controvérsias quanto a essa definição de pintura. Com a variedade de experiências entre diferentes meios e o uso da tecnologia digital, a idéia de pintura não necessita se restringir à aplicação “do pigmento em forma líquida”.

A pintura é uma forma de manifestação artística existente há muito tempo na História da humanidade, como revelam as pinturas rupestres, feitas por homens pré-históricos em rochas ou cavernas.

Existem vários tipos de pintura, como os afrescos, pintura a óleo, por meio de pigmentos diluídos em um solvente; pintura mural, feita ou aplicada sobre uma parede; pintura a têmpera, pigmentos dissolvidos em um adstringente, como a cola.

Muitos consideram a pintura a óleo como um dos suportes artísticos tradicionais mais importantes. Essa foi usada na criação de muitas obras de arte, como a Mona Lisa.

A pintura pode ser ligada à produção de imagens decorativas ou imagens de representação, seja esta figurativa ou abstrata. Uma pintura figurativa é essencialmente a representação pictórica de um tema, ou seja, quando o artista reproduz em seu quadro uma realidade que lhe é familiar. O tema pode ser uma paisagem, uma natureza morta, uma cena mitológica ou cotidiana. Já a pintura abstrata não procura retratar objetos ou paisagens, pois está inserida em uma realidade própria.

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ORIGAMI - O origami enquanto arte e sua popularização. - Artes - Trabalho Escolar

Origami

Origami é a arte da dobradura de papel. A palavra é oriunda do japonês ori, que significa dobrar, e kami, que significa papel. A arte milenar consiste na criação de objetos e formas a partir de um pedaço de papel quadrado, sem cortá-lo, onde as faces podem ser de cores diferentes.

Muito praticada no Japão, a cultura do Origami japonês, que se desenvolveu desde o período Edo, diferencia-se das outras por cortar o papel durante a criação do modelo ou iniciar com outras formas de papel que não a quadrada, podendo ser retangular, circular, etc.

De acordo com a cultura japonesa a pessoa que fizer mil origamis pode ter um pedido realizado.

O origami popularizou-se na proporção em que o papel tornou-se menos caro, com o desenvolvimento de métodos mais simples para sua criação.

O origami difundiu-se como atividade recreativa no Japão com a publicação do livro Kan no mado, em 1845, esse continha uma coleção de aproximadamente 150 modelos de origami que estabeleceu o modelo do sapo, muito conhecido atualmente.

Os estudiosos acreditam que a arte do origami tenha originado junto com o papel. Os primeiros registros do surgimento do papel vêm da China, no ano de 105 d.C.

Em 1950, ocorreu a grande divisão entre a antiga e a nova dobragem do papel, período que o trabalho de Akira Yoshizaka tornou-se conhecido. Yoshizaka foi responsável pela criação da idéia da dobragem criativa e pela invenção de todo um conjunto de métodos que permitia dobrar uma série de animais e pássaros que em nada tinha haver com o origami do passado.

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OP-ART - O uso de ilusões ópticas como recurso artístico. - Artes - Trabalho Escolar

Op-art

A Op-art (abreviação de optical art) foi um movimento artístico que surgiu ao mesmo tempo no início da década de 60 nos Estados Unidos e Europa. O termo foi empregado pela primeira vez pela revista Time em 1965, se revelando inicialmente como uma variação do expressionismo abstrato. A primeira obra que se enquadra neste movimento foi “Zebra”, feita por Victor Vasarely nos anos 30. Tal obra era composta por listras diagonais pretas, brancas e curvadas, passando ao observador, a impressão de uma visão tridimensional.

Na Op-art, as cores têm a finalidade de passar ilusões ópticas ao observador. Visando atingir o dinamismo, os artistas usam tons vibrantes e círculos concêntricos, dando a idéia de movimento e interação entre os objetos e o fundo.

No ano de 1965, foi organizada a primeira exposição da Op-art no Museu de Arte Moderna de Nova York: The Responsive Eye (O Olho que Responde). Além de Victor Vasarely, expuseram suas obras: Richard Anusziewicz, Bridget Riley, Ad Reinhardt, Kenneth Noland e Larry Poons. Mesmo assim, a Op Art não é considerada um movimento genuíno, mas sim, uma vertente de outras linhas artísticas.

São utilizadas cores que provocam grandes contrastes, além de diferentes níveis de iluminação, explorando a criação de formas virtuais e efeitos ópticos. Após ter ganhado significativo destaque nos anos 60, a Op-art quase caiu no esquecimento. Um dos motivos para isso talvez seja o fato dela não despertar sentimentos nas pessoas, estando mais próxima da ciência do que do homem em si.

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IMPRESSIONISMO - As características do movimento impressionista. - Artes - Trabalho Escolar

O impressionismo

O impressionismo foi um movimento artístico surgido na pintura no final do século XIX, na França. Influenciou também a música, que passou a adotar suas idéias por volta de 1890.

Apesar de não se considerar um impressionista, foi em torno de Édouard Manet que se reuniu grande parte dos artistas que passaram a ser chamados de Impressionistas. O movimento tem como característica romper os laços com o passado, várias obras de Manet são inspiradas na tradição, porém serviu de inspiração para os novos artistas.

O movimento foi um marco na arte moderna. Os autores impressionistas não mais se preocupavam com os ensinamentos do Realismo ou da academia, e mesmo se mantinham alguns aspectos do realismo, não se comprometiam com denúncia social. Reproduziam paisagens urbanas e suburbanas.

Os pintores impressionistas pesquisavam a produção pictórica, não se interessavam em temáticas nobres ou no retrato fiel da realidade e sim na criação de novas formas de registrar a luz e as cores, decompondo-as, captando o instante em que a ação acontecia. As telas eram pintadas ao ar livre, o objetivo era criar obras espontâneas, inspiradas na natureza.

A primeira exposição pública impressionista foi realizada em 1874, em Paris, onde participou o expositor Claude Monet, autor de Impressão: O Nascer do Sol, (1872), tela que deu origem ao nome do movimento.

No Brasil, o representante mais expressivo do impressionismo é Washington Maguetas. Destaca-se também o pintor Eliseu Visconti, que no início do século XX, foi o artista que melhor representou o movimento, não se preocupando em reproduzir modelos clássicos e sim em registrar os efeitos da luz solar em suas telas

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EXPRESSIONISMO - O movimento enquanto arte e sua pretensão. - Artes - Trabalho Escolar

O Expressionismo

O expressionismo reporta-se aos vários movimentos de vanguarda do fim do século XIX e início do século XX, cujo interesse não era somente uma exteriorização da obra de arte e sim projetar através dessa uma reflexão individual e subjetiva. Ou seja, uma forma de recriar o mundo, ao invés de apenas compreendê-lo ou moldá-lo conforme aquilo que era exposto aos olhos.

As obras expressionistas tinham a pretensão de romper com as academias de arte e com o impressionismo, movimento artístico anterior a este.

O Expressionismo se diferencia do Realismo por não estar interessado na idealização da realidade, mas em como é compreendida pela pessoa. Porém, possui uma semelhança com o movimento realista, quanto ao fato de ter uma visão “anti-Romantismo” a respeito do mundo.

As características do expressionismo são: o distanciamento da figuratividade; a ilusão da tridimensionalidade; o resgate das obras primitivas e a utilização de cores e traços fortes. Como o interesse do movimento é projetar uma reflexão subjetiva, é comum o retrato de seres humanos solitários e sofredores, onde a intenção é de captar estados mentais, que podem ser vistos em vários quadros de personagens deformados, como o ser humano desesperado sobre uma ponte de O Grito, do norueguês Edvard Munch, um dos representantes do movimento.

O principal precursor do movimento foi o pintor holandês Vicent van Gogh, que empenhou em recriar a beleza do ser humano e da natureza por meio da cor, que para ele consistia no elemento essencial da pintura. O movimento recebeu o nome de expressionismo no ano de 1991.

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O ABSTRACIONISMO - Características e surgimento da arte. - Artes - Trabalho Escolar

Abstracionismo

O abstracionismo refere-se às formas de arte não administradas pela figuração e pela imitação do mundo, ou seja, não representam objetos próprios da realidade concreta. Ao contrário, se utiliza das relações formais entre cores, linhas e superfícies para produzir a realidade da obra.

Seu surgimento deve-se às experiências das vanguardas européias, que rejeitaram a herança renascentista das academias de arte.

A arte abstrata existiu desde o princípio da civilização, passando por algumas fases de maior ou menor aceitação. Hoje a expressão é mais usada para nomear a produção artística do século XX, produzida por determinados movimentos e escolas inseridos na arte moderna. Grande parte dos movimentos desse século concedia valor à subjetividade na arte, admitindo distorções de forma que se defrontava com a idéia do renascentista Giorgio Vasari e sua opinião a respeito do valor do artista. Ele acreditava que este valor devia-se a capacidade de representar a natureza com rigor.

No começo do século XX, antes que os artistas atingissem a abstração absoluta, o termo foi utilizado para se referir a escolas como o cubismo e o futurismo. O abstracionismo divide-se em duas tendências: abstracionismo lírico; abstracionismo geométrico.

O abstracionismo lírico aparece como uma reação a Primeira Guerra Mundial. Para compor uma arte imaginária, inspirava-se no instinto, no inconsciente e na intuição. As características da arte não figurativa são: o jogo de formas orgânicas, as cores vibrantes e a linha de contorno. A pretensão do abstracionismo lírico é transformar manchas de cor e linhas em ideais e simbolismos subjetivos.

O abstracionismo geométrico recebeu influência do cubismo e do futurismo. Ao contrário do abstracionismo lírico, foca a racionalização que depende da análise intelectual e científica. No Brasil, o abstracionismo teve suas primeiras representações na década de 40.

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HISTÓRIA DA ARTE - Confira aqui o processo de origem e evolução da arte. - Artes - Trabalho Escolar

História da Arte

A arte data desde a Antiguidade, quando os homens da Pré-História desenhavam a arte rupestre (desenhos feitos nas cavernas). As figuras representavam a caça, mas isso não significava como o grupo vivia; pois elas tinham um caráter mágico, faziam com o que o grupo se preparasse para a tarefa que garantiria a sobrevivência.

A palavra “arte” teve muitos significados durante a história. Sempre houve uma pequena discussão, pois alguns pesquisadores acham que a arte é uma forma de criação, já outros acreditam que é uma forma de imitação.

A arte foi se subdividindo em estilos, com o tempo, tais como: barroco, gótico, romântico e outros.

O surgimento do Renascimento fez com que a arte se dividisse em conceitos: a pintura, literatura, música, escultura, arquitetura e a arte feita com cerâmica, tapeçaria e etc.

Depois do século XIX, a arte teve como objetivo retratar a beleza. Já no século XX, a arte passou a se referir, principalmente, às artes plásticas.

Toda arte criada é uma consequência do trabalho feito pelo homem. Em cada uma delas expressam a personalidade do artista, onde mostram o período em que foram feitas, criadas e suas influências culturais.

Muitas vezes o artista se preocupa com a beleza da sua obra. Isso faz com que ele busque matérias-primas que aproximem sua obra do mais real possível. Os artistas expressam em suas obras todos os seus sentimentos.

Com o tempo a arte foi se modificando. Com isso, a história da arte pode ser dividida de acordo com a divisão dos períodos da história da humanidade: Antiga, Medieval, Renascentista e Moderna.

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GRAFITE - As características da expressão artística que muitas vezes é considerada como vandalismo. - Artes - Trabalho Escolar

Grafite

Grafite: manifestação artística muitas vezes considerada como vandalismo.

Grafite é um tipo de manifestação artística surgida em Nova York, nos Estados Unidos, na década de 1970. Consiste em um movimento organizado nas artes plásticas, em que o artista cria uma linguagem intencional para interferir na cidade, aproveitando os espaços públicos da mesma para a crítica social.

No Brasil, o grafite chegou ao final dos anos de 1970, em São Paulo. Hoje o estilo desenvolvido pelos brasileiros é reconhecido entre os melhores do mundo.

O movimento apareceu quando um grupo de jovens começou a fazer desenhos nas paredes da cidade, ao invés de apenas escrever. É considerado por muitos como um ato de vandalismo, por sujar as paredes. Nesse caso são chamados de pichação, vistas apenas como diversão para provocar as pessoas.

As primeiras expressões apareceram nos muros de Paris em maio de 1968, com a revolução contracultural. O grafite está ligado a movimentos como o hip hop.

A tinta mais usada pelos grafiteiros é o spray em lata. O látex é aplicado sobre máscaras vazadas, para demarcar a região a ser pintada.

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FUTURISMO - As características do movimento e sua influência sobre a arte. - Artes - Trabalho Escolar

Futurismo

O futurismo foi um movimento artístico e literário instituído com a publicação do Manifesto Futurista do poeta italiano Filippo Tomasso Marinetti, no ano de 1909.

Os principais sinais do futurismo eram o movimento, a velocidade, a vida moderna, a violência e a ruptura com a arte do passado, já que os adeptos do movimento rejeitavam o moralismo, o passado. Os primeiros futuristas europeus também engrandeciam a guerra e a violência. O movimento tem o estilo de expressar o movimento real, assinalando a velocidade exposta pelas figuras em movimento no espaço.

O futurismo desenvolveu-se em todas as artes e exerceu influência sobre vários artistas que, posteriormente, criaram outros movimentos modernistas. Repercutiu principalmente na França e na Itália, onde diversos artistas se identificaram com o fascismo nascente.

A pintura futurista foi influenciada pelo cubismo e pelo abstracionismo, porém o uso de cores vivas e contrastes e a sobreposição das imagens tinha a pretensão de passar a idéia de dinamismo. O interesse do artista futurista não é pintar um automóvel, e sim captar a forma plástica, a velocidade descrita por ele no espaço.

O futurismo influenciou diversos artistas no Brasil que depois fundaram outros movimentos modernistas, como Oswald de Andrade e Anita Malfatti, que tiveram contato com o Manifesto Futurista em viagens à Europa, em 1912.

O movimento enfraqueceu após a Primeira Guerra Mundial, porém seu espírito inquieto e rumoroso deixou indícios no dadaísmo. Nas artes plásticas, as obras reproduzem o mesmo ritmo e espírito da sociedade industrial. Na literatura, as principais expressões aconteceram na poesia italiana.

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ESCULTURA - A escultura enquanto arte e seus principais representantes. - Artes - Trabalho Escolar

Escultura

Considerada a terceira das artes clássicas, a escultura é a técnica de representar objetos e seres através da reprodução de formas. Utiliza-se de materiais como gesso, pedra, madeira, resinas sintéticas, aço, ferro, mármore e das seguintes técnicas: cinzelação, fundição, moldagem ou a aglomeração de partículas. Sua origem baseia-se na imitação da natureza, com o intuito maior de representar o corpo humano.

A escolha do material envolve a técnica utilizada. Novas técnicas como dobra e solda de chapas metálicas, moldagens com resinas, plásticos, materiais tridimensionais tem sido empregadas.

A escultura na Pré-História foi associada à magia e à religião. No período paleolítico, o objetivo era moldar animais e figuras humanas, geralmente femininas.

A escultura, como é conhecida atualmente, surgiu no Oriente Médio, foi uma das últimas artes a serem desenvolvidas durante a Idade Média, talvez pelo apelo sensual.

A Grécia Clássica é o berço ocidental da arte de esculpir, desde os seus primeiros artefatos em mármore ou bronze a partir do século 10 a.C., até o apogeu da era de Péricles, com as esculturas da Acrópole de Atenas. Posteriormente, os romanos aderiram à cultura clássica e continuaram a produzir esculturas até o fim do império, difundindo o trabalho em mármore por todo o império.

Foi no Renascimento que a escultura se destacou, com a famosa estátua de Davi, de Michelangelo. Donatello e Verocchio foram outros mestres importantes do período. Entre os séculos XIX e XX, destacam-se os artistas Constantin Brancuse e August Rodin, dois mestres da escultura que influenciaram vários outros artistas.

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DESENHO - O desenho enquanto arte e seu desenvolvimento. - Artes - Trabalho Escolar

Desenho

O desenho é a arte de representar, ou criar formas, utilizando materiais como lápis, carvão, pincel. Diferencia-se da pintura e da gravura, por ser considerado tanto como processo quanto como resultado artístico, uma obra bidimensional composta por linhas, pontos e formas. Na pintura a superfície é marcada por lápis, caneta, pincel, os movimentos dão origem aos pontos, linhas e formas planas.

Outro aspecto que diferencia o desenho da pintura, é que no primeiro não há mistura de cores antes da aplicação, essas são utilizadas puras, enquanto na pintura as cores são misturadas para dar origem a outras novas.

Existem várias técnicas de desenho, e a escolha dos materiais utilizados está relacionada com a mesma.

O desenho existe desde a Pré-História, como forma de manifestação estética e linguagem expressiva, porém obteve status de arte durante a Idade Média.

O desenho possibilitou o estudo da figura humana. Desde o final do século XIX, os desenhos eram bastante utilizados em publicidade.

As possibilidades técnicas da arte do desenho foram ampliadas nas últimas décadas do século XX, com o computador que disponibiliza programas como o Corel Draw, Adobe Illustrator e outros.

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DANÇA - Surgimento e formas de expressão da dança. - Artes - Trabalho Escolar

Dança

A dança, arte de movimentar o corpo em certo ritmo, é uma das três principais artes cênicas da Antigüidade, ao lado do teatro e da música. Caracteriza-se tanto pelos movimentos previamente estabelecidos (coreografia), ou improvisados (dança livre). Pode existir como expressão artística ou como forma de divertimento.

Enquanto arte, a dança se expressa por meio dos signos de movimento, com ou sem ligação musical, para um determinado público.

As danças em grupo foram praticadas desde as primeiras civilizações, em rituais religiosos. Aperfeiçoaram-se até possuir ritmo, passos e roupas determinados. No Egito, por volta de 2000 a.C., dançava-se em homenagem aos deuses. Na Grécia Clássica, a dança era relacionada aos jogos olímpicos.

Os tratados sobre dança surgiram a partir do século XVI. Cada país europeu criou suas próprias danças. Primeiro eram coletivas, depois foram adaptadas aos pares. No século XIX começaram a aparecer danças mais sensuais, como o maxixe e o tango. Assim como vários outros aspectos culturais, a dança foi se transformando na proporção em que os povos foram se misturando.

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CONCRETISMO - Definição e princípios do movimento - Artes - Trabalho Escolar

Concretismo

O concretismo é um movimento vanguardista surgido em 1950, primeiramente na música, passando para a poesia e artes plásticas. É assinalado pelo uso de figuras geométricas e pela elaboração baseada no raciocínio. Foi criado pelo grupo paulista Ruptura, formado pelos artistas Haroldo de Campos, Geraldo de Barros e Valdemar Cordeiro.

Os princípios do concretismo distanciam da arte qualquer sentido lírico ou simbólico. O quadro, construído com elementos plásticos, não tem outro significado a não ser ele próprio. O movimento defende a racionalidade e rejeita o expressionismo, o acaso, a abstração lírica e aleatória. O intuito das obras é acabar com a distinção entre forma e conteúdo e criar uma nova linguagem. Essa concepção de arte não representa a realidade, mas evidencia estruturas, planos e conjuntos relacionados.

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Enfermidades de Aleijadinho e sua arte barroca - Artes - Trabalho Escolar

As enfermidades de Aleijadinho e sua arte barroca

A obra de Aleijadinho foi marcada por diferenciações provocadas por suas enfermidades.

No século XVIII, o desenvolvimento da economia mineradora foi responsável pelo surgimento de vários centros urbanos ligados ao desenvolvimento desta mesma atividade. Em geral, tais cidades abrigaram um processo de formação social mais flexível ao contar com a presença de funcionários da administração, clérigos, trabalhadores livres e profissionais liberais de toda a espécie.

Além de estabelecer uma sociedade mais dinâmica, as cidades erguidas pela riqueza do ouro também abriram espaço para o exercício de várias manifestações artísticas. O Barroco Mineiro foi uma das mais proeminentes vertentes de tal efervescência cultural, ao ser responsável pela execução de pinturas, igrejas e estátuas que marcaram presença em várias cidades da província de Minas Gerais.

Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho, foi um dos mais importantes representantes dessa corrente artística que veio importada da Europa e, com o passar do tempo, ganhou o traço singular dos artistas coloniais. No caso de Aleijadinho, as características de sua produção artística se mostram claramente influenciadas pelas doenças que lhe atingiram ao longo da vida.

O processo degenerativo causado pela hanseníase e o desenvolvimento da porfiria (doença que promove uma intolerância à luminosidade) estabelece um marco divisor nas estátuas criadas por este escultor. Antes de ficar doente, a obra de Aleijadinho era definida pela presença de traços leves e claros. Na medida em que suas limitações físicas pioraram, as obras foram tomadas por um sentimento expressionista e gótico.

Por volta dos 47 anos de idade, quando a hanseníase tinha consumido a maioria dos dedos, Aleijadinho continuou produzindo suas esculturas amarrando os instrumentos em suas mãos. Os 12 Profetas talhados na cidade de Congonhas representam bem o abandono das formas leves e a marcante presença de várias deformidades físicas no corpo de suas estátuas.

Sendo a arte alvo de seus vários intérpretes, podemos também destacar a existência de outras teorias que explicam essa transformação no estilo de Aleijadinho. Em algumas biografias, as deformidades são justificadas pela ação de ajudantes menos talentosos que participavam do processo de execução final das obras. Em contrapartida, outros autores trabalham com a ideia de que essas anomalias estéticas seriam uma forma de protesto contra os desmandos da administração metropolitana.

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